Колористика. Часть 1: Постановка целей.

   В связи с тем, что я веду Художественный кружок в одном московском игровом клубе The Union, мне приходится искать и подбирать различную информацию по покраске миниатюр для того, чтоб я могла дать ученикам не только собственный опыт, но и ознакомить их с интересными статьями других художников-миниатюристов. Вот я и решила собрать и структурировать различные интересные на мой взгляд умозаключения и ссылки на гайды и туториалы, которые мне понравились.

  Я ни в коем случае не претендую на абсолютную правильность написанного, так как пишу это все со своей точки зрения и в силу своего понимания прочитанного и увиденного. 

   В качестве первой статьи я решила выбрать тему колористики. Она весьма глобальна и с явными пробелами для меня, но тем более интересна. Я не планирую углубляться в высокохудожественные дебри, у меня это и не получится, но, надеюсь, мне под силу осветить  основные азы материалы, которые меня заинтересовали по этой тематике.

  Для тех, кто хочет изучать этот вопрос дальше и глубже, я могу порекомендовать поискать материал в Библиотеке художника. Здесь размещено множество книг в электронном виде, биографии художников и картины.

Постановка цели.

Лично я считаю, что это очень важная первоочередная задача. 
Вот что пишет по этому поводу Йоханес Иттен:

"Если главным выразительным средством является цвет, то композиция должна начинаться с определения цветовых пятен, которые и определят ее рисунок. Тому, кто начинает с рисунка, а затем добавляет к линиям цвет, никогда не удастся достичь убедительного и сильного цветового воздействия".

Случайно наткнулась на высказывание колориста Надежды Азаровой, которое мне очень понравилось и которое, по моему,  как нельзя лучше выражает подход к любому начинанию.  Вот ее слова:

"Каждое художественное произведение - это некая идея, воплощенная в материальной форме. Художник свою идею воплотит в картине. Скульптор - в статуе. Архитектор - в здании. Картина, статуя, здание - это материальная форма. Одна из составляющих материальной формы - колористическое решение, то есть те цвета и те связи между ними, которые создают визуальный колорит. И этот колорит должен быть завязан с идеей произведения. Это и будет "образная связь".
Чтобы проще понять эти абстрактные вещи, приведу пример.
Допустим, Вы - художник. И пишите картину на библейский сюжет - "Снятие с креста". Раньше каждый уважающий себя художник считал своим долгом отразить эту тему в своей работе. Причем, картины такого рода писались не по готовым калькам, а в меру своего восприятия текста из Евангелий. Соответственно, каждый писал, как считал нужным.
Представьте, есть текст (отражающий определенные идеи и настроения) и все, больше ничего нет. Вы хотите идеи из этого текста запечатлеть для потомков на картине. Так, чтобы они прониклись Вашим чувствами и впечатлениями.
Итак, давайте представим себе эту картину визуально. У Вас есть герои произведения: Христос, которого снимают с креста; Иоанн Богослов, Богородица и ученик Христа Иосиф. Сюжет понятен, думаю. Христа распяли, а теперь преданные ему люди снимают тело с креста. Вопрос, какие эмоции они чувствуют?
Радуются? Грустят? Плачут? Предвкушают пьянку? Испытывают нечеловеческое отчаяние? Может, им безразлично - так, мимо проходили, увидели мужика на кресте, решили снять... Или это, напротив, самое большое событие в их жизни?
Как художник, Вы должны прочувствовать эмоции своих героев, выбранного сюжета и затем решить - как это все лучше всего отразить в материальной форме. То есть, на картине. Какие цвета выбрать? Какой тип контраста? Как расположить фигуры? Ваша задача не просто нарисовать елочку с домиком. Ваша задача передать идею, так чтобы тронуть души Ваших зрителей, чтобы они почувствовали то, что Вы хотели выразить. Имеет ли при этом значение колорит картины? Безусловно!
Аналогично, в любом виде дизайна. Контраст выбирается под идею. Его задача подчеркнуть заложенный в произведении смысл и сделать его более наглядным, выразительным и понятным."

  Мне кажется, это в полной мере переносится и в наш миниатюрный мир, в наши материальные формы, где на входе мы обычно имеем миниатюру, в которую надо вдохнуть "жизнь", передав при этом ее настроение, ее состояние, окружение и пр. Я вижу этот процесс в создании сцены со своей атмосферой и колористическим решением, с определением так называемых "фокусных точек", в соответствие с которыми потом и будут подбираться "инструменты" - контрасты, схемы и пр.

   И еще здесь же я хочу поделиться одной интересной темой, которую поднял известный московский художник Дмитрий Фесечко (Линкс) на форуме Russian Alternative - о переполнении художественными образами, ссылаясь на пост одного интересного иллюстратора Мэтта Родса. В нем идет обсуждение о том, как создать именно что-то свое, уникальное, а не очередной безликий повтор. В ветке форума очень интересные взгляды и предложения по решению этого вопроса от различных художников. Кроме того, интересные комментарии по вопросу в блоге самого Мэтта Родса. Если кому интересен этот аспект - читайте.

Ух, так много слов в первой части. Надеюсь, дальше будет легче, когда будем знакомится с инструментами, которые есть в нашем распоряжении.

Следующие части:
Колористика. Часть 2: Цветовой круг.